Författare:
John Pratt
Skapelsedatum:
13 Januari 2021
Uppdatera Datum:
19 Maj 2024
Innehåll
Föreställ dig: du har en manusidé - a bra idén - och vill förvandla den till en komedi eller dramaberättelse. Hur man fortsätter? Du kanske till och med vill gå till nyhetsrummet på en gång, men stycket blir mycket bättre om det är väl planerat steg för steg. Gör en brainstorming och skapa en kontur av strukturen för att segmentera och förenkla processen.
Steg
Del 1 av 3: Samla idéer
Bestäm vilken typ av historia du vill berätta. Även om varje berättelse är annorlunda, så faller de flesta stycken i kategorier som hjälper publiken att förstå och tolka relationerna och händelserna som sker i texten. Tänk på karaktärerna du vill skildra och hur deras berättelser kommer att utvecklas. De:
- Måste du lösa ett mysterium?
- Går du igenom en serie känsliga situationer för att växa som människor?
- Slutar de vara naiva och få livserfarenhet?
- De möter en farlig resa, som Odysseus i 'Odyssey?
- Får de ordning på saker?
- Övervinner de olika hinder i strävan efter ett mål?
Brainstorma de grundläggande delarna av berättelsen. Den berättande bågen är utvecklingen av stycket från början till mitten och slutet. De tekniska termerna för dessa tre delar är "exponering", "ökande åtgärd" och "upplösning" - alltid i den ordningen. Oavsett längd eller antal handlingar i stycket, författaren någonsin du måste utveckla dessa tre element. Ordna hur du ska utforska var och en innan du skriver den slutliga texten.
Bestäm vad du vill inkludera i utställningen. Utställningen startar pjäsen, med grundläggande information om handlingen: var och när inträffar berättelsen? Vem är huvudpersonen? Vem är de sekundära karaktärerna, inklusive antagonisten (personen som orsakar den centrala konflikten)? Vad är karaktärernas centrala konflikt? Vilken är den teatergenren (komedi, drama, tragedi etc.)?
Förvandla exponering till växande action. I den växande handlingen blir situationerna som karaktärerna möter mer och mer komplicerade. Den centrala konflikten är huvudelementet och hjälper till att göra publiken mer och mer spänd. Denna konflikt kan inträffa med en annan karaktär (antagonisten), med ett yttre tillstånd (krig, fattigdom, separation från den älskade) eller med huvudpersonen själv (måste till exempel övervinna osäkerhet). Den växande handlingen leder till historiens höjdpunkt: det mest spända ögonblicket när konflikten befinner sig i en kritisk situation.
Bestäm hur konflikten kommer att lösa sig själv. Resolutionen avslutar spänningen i klimaxkonflikten och slutar således den berättande bågen. Du kan tänka på ett lyckligt slut (där huvudpersonen får vad han vill), tragisk (där läsaren lär sig något av huvudpersons misslyckande) eller en upplösning (där alla frågor besvaras).
Förstå skillnaden mellan intrig och historia. Berättelsen om stycket består av "intriget" och "berättelsen" - två distinkta element som utvecklas tillsammans för att fånga publikens uppmärksamhet. Den brittiska romanförfattaren E. M. Forster definierade "historia" som vad som händer i stycket i kronologisk ordning. "Plottet" är i sin tur logiken som kopplar samman händelserna som inträffar i pjäsen, vilket gör dem emotionellt inverkan. Ett exempel på skillnaden:
- Berättelse: huvudpersons flickvän bröt upp med honom. Då förlorade han sitt jobb.
- Plott: huvudpersons flickvän bröt upp med honom. Utröstlig, han hade en känslomässig nedbrytning på jobbet och hamnade sparken.
- Du måste utveckla en berättelse som är intressant och hjälper till att utveckla verket i en takt som fångar publikens uppmärksamhet, samtidigt som de visar hur de är kopplade på ett avslappnat sätt. Det är så allmänheten börjar bry sig om karaktärer och händelser.
Utveckla berättelsen. Du kan inte fördjupa plotterns känslomässiga resonans utan att berättelsen är intressant. Tänk på de grundläggande elementen i stycket innan du börjar skriva det. För att göra detta, svara på följande frågor:
- Vart utspelar sig berättelsen?
- Vem är huvudpersonen (huvudpersonen) och vem är de viktiga sekundära karaktärerna?
- Vilken är den centrala konflikten mellan dessa karaktärer i stycket?
- Vad är den "första händelsen" som initierar spelets handling och leder till den centrala konflikten?
- Vad händer med karaktärerna under konflikten?
- Hur löses konflikten i slutet av spelet? Hur påverkar det karaktärerna?
Utveckla handlingen för att fördjupa historien. Kom ihåg att handlingen hjälper till att utveckla förhållandet mellan alla delar av berättelsen (listad i föregående steg). När du tänker på det, försök att svara på följande frågor:
- Vad är karaktärernas förhållande till varandra?
- Hur interagerar karaktärerna med den centrala konflikten? Vilka påverkas mest? Tycka om?
- Hur kan du strukturera historien (händelserna) så att rätt karaktärer interagerar med den centrala konflikten?
- Vad är den logiska, slumpmässiga utvecklingen från en händelse till nästa - och en som hjälper till att bygga ett kontinuerligt flöde mot klimaks och upplösning?
Del 2 av 3: Tänker på strukturen på stycket
Börja med ett spel i en akt om du inte har erfarenhet. Innan du skriver stycket måste du ha en känsla av hur du vill strukturera det. Enakterspelet har inga avbrott och är därför idealiskt för nybörjare. Ett exempel på ett spel i en akt är Rafameia eller Boi-de-Fogo, av Gilvan de Brito. Även om detta är den enklaste strukturen, kom ihåg att varje berättelse behöver en berättelse båge med exponering, ökande action och upplösning.
- Eftersom skådespelarna i en akt inte har något intervall är scenarierna, skådespelarnas kläder och andra tekniska egenskaper enklare.
Begränsa inte längden på ditt spel i en akt. Denna struktur har ingenting att göra med showens varaktighet. Pjäserna kan ha olika varaktigheter: vissa har tio minuter, medan andra håller en timme.
- Vissa bitar i en akt varar från några sekunder till tio minuter. De är utmärkta för skolpresentationer och liknande, såväl som tävlingar för det specifika formatet.
Skriv ett spel i två akt för att skapa en mer komplex berättelse. Detta är den vanligaste strukturen i samtida teater. Även om det inte finns någon specifik regel angående bitarnas längd, varar i allmänhet varje akt ungefär en halvtimme - med ett intervall däremellan. Under detta intervall kan publiken gå på toaletten eller koppla av, tänka på vad som hände och diskutera konflikten som visas i första delen. Samtidigt anpassar laget skådespelarnas landskap, kläder och smink. Varje paus varar cirka 15 minuter. Ta hänsyn till detta när du skriver.
- Arbetet En rubin i naveln, av Ferreira Gullar, är ett exempel på ett spel i två akt.
Anpassa tomten till strukturen med två handlingar. Med denna struktur har delmonteringsgruppen mer tid att göra tekniska justeringar. Eftersom showen har en paus, är det inte möjligt att ge berättelsen en så flytande berättelse. Strukturera det med detta intervall i åtanke för att göra publiken spänd och orolig för vad som kommer efter den första akten - omedelbart i den växande handlingen.
- Huvudolyckan måste hända i mitten av första akten, efter kontextualisering och exponering.
- Efter huvudhändelsen, skriv flera scener som gör publiken spänd - oavsett om det är dramatiskt, tragiskt eller komiskt. De måste leda till en konflikt som slutar den första akten.
- Avsluta första akten direkt efter historiens mest spända punkt. Publiken kommer att vara oroliga för slutet av pausen och början av den andra akten.
- Börja den andra akten med mindre spänning än slutet på den första akten. Allmänheten kommer alltså inte att bli rädd eller känna smeten.
- Skriv flera scener i den andra akten som ökar spänningen i konflikten som leder till klimaxet ( Mer spänd), precis innan slutet av stycket.
- Skriv den fallande handlingen och upplösningen för att inte avsluta biten plötsligt. Inte varje spel behöver ett lyckligt slut, men publiken måste känna den spänning som byggts upp för de handlingar som släpps.
Använd strukturen med tre handlingar för längre och mer komplexa tomter. Om du är oerfaren är det bäst att börja med ett spel i en eller två handlingar - eftersom de med tre handlingar är längre. Det kräver mer erfarenhet att skapa en produktion som fängslar publiken i ungefär två timmar. Ändå, om berättelsen du tänker berätta är mer komplex, kan det vara bättre att skriva de tre asterna. Precis som när det finns två har montageteamet mer tid att anpassa landskapet, kläderna etc. i avbrott. Följ denna modell:
- Den första akten är utställningen: introducera karaktärerna och relevant information gradvis. Få publiken att skapa tillgivenhet till huvudpersonen och den situation han befinner sig i - så att det blir en känslomässig reaktion när saker börjar gå fel. Denna handling måste också presentera problemet som du kommer att utveckla i resten av stycket.
- Den andra akten är komplikationen: situationen blir mer riskfylld och spänd för huvudpersonen, medan problemet också är mer komplicerat. Du kan till exempel avslöja viktig information nära höjdpunkten. Denna uppenbarelse måste lämna huvudpersonen vajande - tills han har styrkan att lösa allt. Slutet på den andra akten är hopplös, med den centrala karaktärens planer i ruiner.
- Den tredje akten är resolutionen: huvudpersonen övervinner hindren från den tidigare akten och hittar ett sätt att nå slutet av stycket. Kom ihåg att inte varje spel har ett lyckligt slut; hjälten kan till exempel dö. Det viktiga är att publiken lär sig något av erfarenheten.
- Arbetet Aranhol, av José Sizenando, är ett exempel på ett spel i tre akter.
Del 3 av 3: Writing the Play
Rita handlingarna och scenerna. I de två första avsnitten av den här artikeln brainstormade du grundläggande idéer för berättelsen bågen, berättelsen och handlingen och strukturen. Innan du börjar skriva själva verket lägger du alla dessa element på papper i detalj.
- När ska du presentera de viktiga karaktärerna?
- Hur många olika scener ska du inkludera? Och vad händer exakt i var och en?
- Skriv händelserna och tänk alltid på den utveckling de ger till handlingen.
- När måste teamet ändra scenariot? Kläderna? Tänk på dessa tekniska element när du planerar delen mer detaljerat.
Vidareutveckla konturen för att skriva stycket. Börja med de mest grundläggande dialogerna, utan att tänka på om de är naturliga eller hur skådespelarna kommer att spela karaktärerna. I den första dispositionen behöver du bara oroa dig för de mer allmänna delarna.
Skapa naturliga dialoger. Ge skådespelarna ett välkonstruerat manus så att de tolkar linjerna på ett mänskligt, verkligt och emotionellt sätt. Spela in dig själv och läsa dialogrutorna högt och lyssna sedan på ljudet. Var uppmärksam på delar som låter robotar eller svampiga. Kom ihåg att även när det gäller ett litterärt verk måste karaktärerna fortfarande låta naturliga. Försök till exempel inte att lära dig när huvudpersonen klagar över något på jobbet eller på middagen.
Skriv tangentiella konversationer. Alla pratar lite när de pratar med vänner och bekanta. Även om du måste tänka på utvecklingen av konflikter i stycket finns det fortfarande utrymme för distraktioner - vilket gör texten mer realistisk. Till exempel, när huvudpersonen pratar med någon om att avsluta en relation, kan du inkludera två eller tre rader där den andra personen frågar hur länge relationen varade.
Inkludera avbrott i dialogerna. Även när de inte vill vara oförskämd avbryter människor varandra hela tiden - även för att göra positiva avbrytningar, som "Jag förstår" eller "Du har rätt". Människor avbryter till och med sig själva: "Jag - se, jag har inget emot att ge honom en tur på lördagen - men jag är väldigt upptagen med arbete i dag".
- Var inte rädd för att använda meningsfragment. Så mycket som denna praxis inte är väl betraktad i vissa typer av text, är det fortfarande vanligt i vardagliga samtal. Till exempel: "Jag hatar hundar. Alla av dem".
Inkludera instruktioner till teamet. Således kommer skådespelarna och andra agenter som är involverade i produktionen att förstå din vision av stycket. Använd kursiv typsnitt eller fyrkantiga parenteser för att ge dessa riktlinjer utan att förväxla dem med dialogrutorna. Skådespelarna kommer att använda sin egen kreativa licens för att tolka raderna, men du kan ge en mer allmän riktning:
- Riktlinjer för konversation:
- Fysiska handlingar: e.
- Emotionella tillstånd: ,, etc.
Skriv om utkastet till delen så många gånger som det behövs. Din bit kommer inte att vara perfekt med en gång. Även erfarna författare måste korrekturläsa texten flera gånger innan resultatet är tillfredsställande. Ta din tid! Lägg till fler detaljer för varje nytt utseende för att få arbetet att hända.
- Även när du lägger till fler detaljer, kom ihåg att "Del" -tangenten kan komma att vara mycket praktiskt. Tänk på det här sättet: du kan till och med hitta något bra genom att ta det som är dåligt. Ta bort alla dialoger och händelser som inte har någon känslomässig vikt.
- I allmänhet rekommenderar experter att författarna klipper de delar som publiken skulle hoppa över om de läste verket.
tips
- De flesta av pjäserna ställs in på specifika tider och platser. Var konsekvent. Till exempel: en karaktär som bor på 1930-talet kan ringa eller använda en telegraf, men inte titta på TV.
- Se referenserna i slutet av den här artikeln (på engelska) för att lära dig hur du följer rätt format för spelningar.
- Improvisera när det är nödvändigt. Ibland är spontana tal till och med bättre än de ursprungliga!
- Läs manuset högt för en liten publik. Pjäserna är baserade på ord - och kraften eller bristen på dem är uppenbar när det finns detta test.
- Håll inte delen för dig själv. Försök att publicera det för att visa att du skriver!
- Skriv flera utkast, även om du är nöjd med det första.
varningar
- Teatervärlden är full av idéer, men du måste ge berättelsen en original behandling. Att stjäla andras arbete är inte bara plagiering, utan ett brott som nästan alltid är omöjligt.
- Skydda ditt arbete. Inkludera ditt namn och året du skrev artikeln på omslaget, följt av upphovsrättssymbolen.
- Bli inte avskräckt när ditt stycke avvisas. Om du inte accepteras en gång kan du prova en annan (även om du måste skriva ett annat stycke).
